AUAND

ENG Jazz Journal, Andy Hamilton (apr.2010)

auand — Sun, 07 Mar 2010 11:00:09 +0000

Auand is the prolific label of Marco Valente, based in the small seaside town of Bisceglie, near Bari in Puglia, southern Italy. (Website www.auand.com). In following the label over its approximately ten-year existence, I’d say it specialises in placing visiting American players with Italian bands, though this latest batch seems to go against that cross-cultural diversity. My favourite of these new releases, in fact, is the ‘Playing In Traffic’ (Auand AU9019 CD) by all-American trio of Ohad Talmor on tenor-sax, Steve Swallow on bass and Adam Nussbaum on drums. Talmor is certainly a talent deserving wider recognition, and is perhaps best known through his association as music director with Lee Konitz. The group play a mix of fresh-sounding originals by all three members, with Swallow providing the harmonic backdrop on his totally distinctive and clearly-enunciated electric bass, and Talmor often surprisingly bluesy on tenor. Half the tracks were recorded live in Madeira in 2008, the rest in New York in 2009.

Competing in my estimation with the American trio is Quilibri’s ‘Eco Fato’ (Auand AU9017 CD), which features a complete set of compositions by soprano saxist Andrea Ayassot, recorded in 2008. Ayassot is an Italian player unfamiliar to me, though his website informs us that he’s a member of veteran pianist Franco D’Andrea’s band. His quintet on this release is Karsten Lipp (acoustic guitar), Stefano Risso (bass), and Adriano De Micco and Luca Spena (percussion). These are plangent pieces with an open, clear-textured sound, producing some very lyrical and pleasing results – Ayassot in particular has a gorgeous tone and strikingly individual lines on soprano. A group to look out for.

Tenor and soprano saxist Emanuele Cisi’s ‘The Age Of Numbers’ (Auand AU9016 CD, recorded 2007) aims for a heavier, freer sound – down to grooves laid down by Roberto Cechetto (guitar), Paolo Biasi (electric bass) and Emanuele Maniscalco (drums). Most pieces are by the leader, and the results are – on most tracks – challengingly fractured, but Cisi moves into more lyrical territory on his solo tenor interpretation of Moonlight In Vermont, the only non-original. Definitely the most unusual of this set of releases is 3QuietMen & Stefano Battaglia’s ‘Bartokosmos’ (Auand AU 9018 CD), recorded in 2007. “3QuietMen” – no space after “3″ – is Ramon Moro (trumpet and flugelhorn), Federico Marchesano (bass) and Dario Bruna (drums). Pianist Battaglia’s classical-influence jazz stylings have long fascinated me, and here he turns to pieces from Bartok’s ‘Mikrokosmos’, which make up the entire programme. These graded piano studies were written in the 1920s and 30s, and if you’re not familiar with them, the asymmetric rhythms – known as “additive” – and East European modes will be striking. Battaglia reinforces his reputation as a real thinking player, and the results are intriguing and compelling. Finally, Gaetano Partipilo (alto-sax), Miles Okazaki (guitar) and Dan Weiss (drums) – Partipilo/Okazaki/Weiss – have produced ‘I Like Too Much’ (Auand 9014 CD, recorded 2008), whose fragmented meanderings haven’t pulled me in yet. But that’s still a high strike-rate of very successful releases for the small Italian label.

ITA Jazzitalia.net, Vincenzo Fugaldi (feb.2010)

auand — Thu, 04 Mar 2010 17:34:32 +0000

Un solido quartetto, e un post hardbop debitamente aggiornato per l’esordio da leader del giovane chitarrista romano Francesco Diodati. “Purple Bra”, pubblicato dalla Auand, è il primo frutto di anni di intensi studi musicali di Diodati, che per l’occasione si circonda di validi partner che lo coadiuvano al meglio nella realizzazione di un cd basato pressoché esclusivamente su sue composizioni originali, con la sola eccezione di una canzone di Jeff Buckley, So Real.
Particolarmente riuscita è l’intesa tra le chitarre – elettrica, classica e acustica – di Diodati e il sax tenore di Francesco Bigoni. Insieme realizzano trame tematiche e solistiche comunicative e di sicura presa, con un buon sostegno da parte della sezione ritmica. Interessante anche l’aspetto compositivo del chitarrista, che si concretizza in nove brani abbastanza differenti tra loro, con una conseguente varietà di atmosfere, da quelle suggestive e acustiche di Finale Aspettato, Neko, Hit, a quelle meditative e in crescendo di Suvi, a quelle vagamente progressive del brano che dà il titolo al disco, a quelle più tipicamente jazzistiche (Kort, Doctor BC, Krashing minds). Diodati, che mostra buona tecnica nell’accompagnamento e un fraseggio solistico in evoluzione, si pone con umiltà al servizio della musica, lasciando spazio ai partner, senza imporsi, ritagliando per sé brevi ma interessanti spazi in assolo.

DEU Jazzthetik, Christoph Giese (feb.2010)

auand — Fri, 26 Feb 2010 09:04:51 +0000

Marco Valente ist nicht nur ein verdammt sympathischer Zeitgenosse, sondern auch ein echter Musikliebhaber und Aesthet. Und deshalb gehoeren fuer ihn Musik und Design irgendwie zusammen. Soll heissen, die Veroeffentlichungen seines Labels Auand gibt es bislang noch nicht als Dowload. Es waere aber auch zu schade, die grossartige Musik seiner CDs nur mit den Ohren zu geniessen und sie auf schmucklose Rohlinge zu brennen. Schliesslich hat Marco Valente ein eigenes visuelles Konzept fuer seine Verpackungen entwickelt. Der Designer Francesco Monti setzt dabei ganz auf schwarz-weisse Kunst, die auf dem Frontcover nie erahnen laesst, wessen CD sich dahinter versteckt. Mit Gianluca Petrellas X-Ray fing 2001 alles mit Auand an, dem Label, das sich auf seiner Internetseite mit folgenden Worten vorstellt: “Energy, Risk, Conviction and the Unespected”. Wie wahr!
Inzwischen hat Marco Valente 21 Veroeffentlichungen bei Auand auf der Habenseitem die 22. vom italianischen Trio Chant ist in der Mache. Kuenstler wie Cuong Vu, David Binney, Giancarlo Tossani, Paolo Sorge, Antonello Salis, Emanuele Cisi oder Francesco Bearzatti haben CDs bei dem umtriebigen Italiener herausgebracht. Das eigene Label beschreibt Valente selbst als Avantgarde, aber was heisst das schon. Was auffaellt: Auand mag vielleicht herkoemmliche Besetzungen, aber sie variieren doch und klingen einfach anders. Wobei wir schon bei den ganz aktuellen CDs des Labels waeren – von Bobby Previte, Swallow / Talmor / Nussbaum und Francesco Diodati. Bobby Prevites Pan Atlantic ist ein energiegeladener Geniestreich mit Posaunist Gianluca Petrella (hier schliesst sich der Kreis), Saxofonist Wolfgang Puschnig, Benoit Delbecq an den Fender Rhodes, E-Bassist Nils Davidsen und natuerlich Bobby Previte an den Drums. Die Platte hat Dampf, aber auch innige, dramaturgisch klug zusammengestrickte Momente, sie haelt grossartige Konversationen del Musiker bereit, brilliert mit ungewoehnlichen Einfaellen von Drummer Previte und verwoehnt mit packenden Klangbildern. Einfach magisch.
Saxofonist Ohad Talmor, Bassist Steve Swallow und Drummer Adam Nussbaum pendeln auf Playing In Traffic zwischen vertraeumten Songs und forschen Parforceritten, zwischen Miniaturen und Raum fuer Entfaltung, zwischen laessigem Groove und dem Gestalten von Atmosphaeren. Diese Platte zeigt drei Meister, die zusammen im Moment kreieren. Gitarrist Francesco Diodati hat sich neben Drummer Ermanno Baron zwei weitere Francescos in sein Quartett geholt. Francesco Bigoni, den Tenorsaxofonisten, und Francesco Ponticelli, den Bassisten. Zu viert wird erst einmal gegroovt und hart geswingt, dass die Luft brennt.
Aber das Quartett kann’s auch ruhiger und sehr lyrisch. So ist Purple Bra eine gelungene Mischung aus adrenalingeschwaengerter und zurueckgenommener Musik. Jede der Auand-Veroeffentlichungen ist eine Entdeckung. Schoen, dass es fuer dieses spannende italienische Label von Marco Valente nun mit Challenge auch in Deutschland einen eigenen Vertrieb geben wird. Im Internet sind die CDs schon jetzt alle unter www.jazzos.com zu bekommen.

ITA Musica Jazz, Federico Scoppio (feb.2010)

auand — Thu, 25 Feb 2010 17:56:36 +0000

Nella musica del batterista e compositore, l’insieme musicale è spesso in grande evidenza rispetto a tutto il resto. Non lo è meno in questo nuovo progetto discografico, nonostante la costante presenza, a volte anche un po’ troppo palese pur se sempre educata, della batteria. Così le memorie e le storie dei solisti – tutti nomi forti, dal prodigioso Petrella a Puschnig – sono messe al servizio del collettivo, che ancora non si sa bene quale strada prenderà dal vivo ma che certamente si preannuncia molto affascinante e che su disco si misura intanto su brani originali tutti quanti siglati dal leader e ideatore. Le composizioni, molto lunghe, sono spesso focalizzate su cellule ritmiche che si ripetono più volte, rimanendo costanti nel tempo e favorendo l’ingresso dei musicisti impegnati in assoli fulminei e vitalizzanti.
Nell’alternarsi continuo tra progressioni rock e approccio jazz, tra il procedere incessante dei tamburi del leader e le trame degli altri, si snoda un insieme coeso, stratificato, denso e polidirezionale che convince già al primo ascolto.

ITA Musica Jazz, Andrea Scaccia (feb.2010)

auand — Thu, 25 Feb 2010 17:34:50 +0000

DISCO DEL MESE (Musica Jazz, febbraio 2010)

La casa discografica di Bisceglie continua a inanellare, una via l’altra, produzioni di grande spessore, segno di un progetto editoriale consapevole e mirato.
Il nuovo lavoro di questo trio ne è l’ennesima prova: un disco di estrema freschezza in equilibrio tra in e out. Cinque dei dodici brani, infatti, sono stati registrati in studio; i rimanenti provengono invece da un concerto isolano. Per l’audiofilo più attento va precisato che qui (contrariamente a quanto spesso accade) gli ambienti di ripresa diversi non penalizzano l’ascolto e anzi la post produzione mette in mostra un lavoro pieno d’attenzione.
Sul discorso avviato in passato da Swallow e Nussbaum si innesca perfettamente il tenore di Talmor. Stati Uniti ed Europa, vecchia guardia e nuove realtà, composizione e improvvisazione sono dualismi che danno profondo respiro a questo Playing In Traffic: un disco corale, si direbbe, dove tutti e tre gli attori si alternano nel ruolo di leader concorrendo alla perfetta riuscita di un lavoro di grande originalità.

ITA JazzColours, Roberto Dell’Ava (feb.2010)

auand — Thu, 25 Feb 2010 16:24:36 +0000

Il gruppo europeo Pan Atlantic di Bobby Previte che già da due anni aveva una sua vita attiva tra festival e tournée, fissa in studio a Torino per l’etichetta italiana Auand la prima prova discografica, riuscendo ad affascinare e convincere grazie alla perizia dei musicisti ma soprattutto alle sofisticate idee compositive del leader. Tutto l’album ruota intorno ad una serie di composizioni caratterizzate da un andamento similare: temi circolari, con grumi di accordi ripetuti, parti solistiche concentrate in brevi spazi temporali ed uno spettacolare lavoro della sezione ritmica. Le idee di Previte sono multidirezionali: riesce a sviluppare in sostanziale leggerezza la lezione jazz-rock davisiana, spogliandola della pesantezza funky e speziando i temi con atmosfere affatto banali che richiamano il miglior lounge, concretizzando un formidabile senso del ritmo con interventi allo stesso tempo misurati e poderosi. Entusiasmante il gioco coloristico e puntillista, quasi minimalista delle tastiere del francese Benoit Delbecq, ideale spartiacque tra i ritmi controllati ma esplosivi di Previte e dell’affidabile basso elettrico del danese Nils Davidsen ed i voli dei due fiati, un torrenziale e impressionante Wolfgang Pushing ai sax ed un Gianluca Petrella particolarmente concentrato nel doppiare l’austriaco sulle melodie. Indicativo a questo proposito l’ostinato di Stay on Path, che vede i due fiatisti all’unisono cesellare e contenere un terrificante assolo del sassofonista seguito da una improvvisazione per antitesi più controllata, quasi cool del trombone. Il brano iniziale, Deep Lake, mette in contrasto la fissità della ritmica con la punteggiatura quasi vibrafonistica di Delbecq, il tutto innervato da un acido volteggiare del sassofono tra stacchi e momenti di ripresa del tema. Tutto l’album è giocato su queste coordinate, brani di folgorante e inquietante pregnanza, una apparente immobilità ripetitiva della sezione di supporto che apre la strada ad interventi dei fiati ora esuberanti ora pensosi e meditativi. Il risultato è una musica che non dà punti di riferimento certi, sfuggente ed ambigua quanto potente e sorprendente nelle conclusioni. Il Fender Rhodes di Delbecq in Pan Atlantic rievoca suggestioni davisiane, ma subito le acque si agitano e le prospettive cambiano con l’intervento dei fiati che danno una immediata e diversa dimensione alla lezione del passato. Il brano conclusivo, Veltin, si diversifica rispetto alle altre composizioni per una accentuata stagnazione giocata tutta sulle piccole variazioni della tastiera in un ostinato elementare costituito da due note senza l’intervento di nessun altro strumento. Importante sottolineare l’aspetto compositivo del leader che scrive materiale su misura per i propri musicisti, alternando intelligentemente momenti scritti a spazi improvvisati, sicuramente più contenuti sull’album rispetto ai concerti dal vivo.

ITA Suono, Pier Luigi Zanzi (feb.2010)

auand — Thu, 25 Feb 2010 16:05:07 +0000

Non è sempre agevole trovarsi a contatto con un lavoro di ambito specificamente jazz, quindi sostanzialmente privo di contaminazioni con altri generi, che non si spertichi in esperimenti assurdi e che, dall’altra parte, non faccia puro e semplice mainstream. L’impresa in un certo senso riesce a questo disco rotondo (lasciamo ai posteri un’ulteriore indicazione del fatto che nel 2009 c’erano ancora supporti solidi) che vede all’opera un trio particolare, con un giovane che ormai non è solo di belle speranze come Ohad Talmor, sassofonista coraggioso già in evidenza con progetti anche meno usuali di questo, e due semi-leggende del settore come il bassista Steve Swallow e il batterista Adam Nussbaum. Sentirli suonare in tre ha un suo perchè che li discosta da un “qualunque buon disco” di jazz; Talmor ha uno stile che sembra voler ereditare nell’incedere diverse esperienze del passato e non solo quelle più lineari, per cui la sensazione è che appena negli assoli ci si avvicina a qualcosa di stilisticamente codificabile il nostro cerchi di allontanarsene nuovamente. Il timbro morbido e già maturo rende più autorevole l’anticonformismo del percorso. La sezione ritmica di questi due mostri crea, per chi suoni con loro, la differenza tra camminare e saltellare, con l’eccezionale metodicità di Swallow ed un controllo da parte di Nussbaum completamente privo di affaticamenti e forzature. Registrazione nitida e capace di “staccare” tra loro gli strumenti.

qualità artistica: 8
qualità tecnica: 7,5

ITA Suono, Sergio Spada (feb.2010)

auand — Thu, 25 Feb 2010 15:54:58 +0000

Prendendo spunto dall’opera Microkosmos del compositore Bela Bartok, i quattro musicisti di questo disco portano a termine una multiforme e colta operazione di omaggio al grande compositore, modernizzazione di famosi temi di musica contemporanea del Novecento, creazione di un ibrido oggi frequente nella ricerca musicale e sospeso tra le sonorità rock, quelle jazzistiche tradizionali e quelle tipicamente free. I tre Quietmen del gruppo sono Ramon Moro (tromba), Federico Marchesano (basso ed effetti) e Dario Bruna (batteria). Il quarto (si teme sia meno tranquillo degli altri ma si dimostra molto riflessivo e pensoso) è il ben noto pianista Stefano Battaglia. Uno abituato ad esplorare, sperimentare, un’anima musicalmente inquieta e sempre alla ricerca di qualcosa. Qualcosa, nel caso specifico il lavoro di Bartok, intorno a cui i quattro girano per tutto il lavoro, provando coordinate e direzioni molto diverse e ottenendo risultati interessanti in molti passaggi ed inserti del disco, non trovando alla fine una chiave risolutiva che semplicemente non viene cercata. Il disco muta pelle molto spesso. Se ascoltiamo il tema del gruppo (Quietmen Hymn) la pacificazione delle sonorità sembra dominare; se seguiamo le direttrici ritmiche del duo Marchesano/Bruna, godiamo invece di una simbiosi a tratti davvero vitalizzante e vicina a certi suoni di oggi, (Medeski Martin, Wood per esempio); se diamo filo ai due solisti, sia Moro con le sue fughe repentine alla cornetta, sia Battaglia con alcuni momenti di forte lirismo ci portano su terreni hard-bop e classicheggianti. Interessante lavoro, con momenti di musica eccellente (Pentatonic Melody, Buzzing), apprezzabile nel risultato finale.

qualità artistica: 7,5
qualità tecnica: 7,5

ITA Jazzconvention.net, Fabio Ciminiera (feb.2010)

auand — Mon, 15 Feb 2010 11:30:24 +0000

Bartokosmos mette a confronto modi e intenzioni sonore diverse, senza la ricerca di una sintesi intermedia o di compromesso, anzi facendo leva sulle varie peculiarità e caratteristiche dei tanti elementi che lo compongono. Questo atteggiamento rende il disco certo non facile né immediato, ma permette ai quattro musicisti di mantenere alta l’energia e l’elettricità in ogni passaggio del disco.
Le dieci tracce prendono ispirazione da altrettanti brani tratti dai Mikrokosmos di Bartok: con il che si spiega il titolo del lavoro. Bartok compose le 153 pieces pensandole come una enciclopedia didattica per pianoforte: differenti per stile e ordinati per difficoltà crescente in modo da comporre un vero e proprio mondo sonoro, riflettono la scrittura e l’opera di un autore attento alla modernità e alle influenze delle musiche popolari.
La formazione allo stesso modo si compone di un pianista, come Stefano Battaglia, attento da sempre all’introspezione, alla melodia espressiva e profonda e di un trio di musicisti, i 3Quietmen, dall’energia anche volutamente esibita – come nel titolo del precedente trump’n'drum’n'bass o in certe soluzioni ritmiche. Questa presentazione, anche semplicistica, anche estremamente veloce, si può sviluppare con l’accostamento della sobrietà acustica del pianoforte e la tagliente presenza di inserti elettronici, effetti, suoni trattati. E ancora con la giustapposizione di approcci ritmici e melodie dilatate, di riflessione e veemenza.
Ovviamente i quattro musicisti suonano insieme: costruiscono il percorso sfruttando la complessità dei tanti elementi, utilizzando differenze e stimoli per creare di volta in volta nuove possibilità espressive. Danze popolari, intuizioni moderne, interventi rumoristici, elementi classici, spunti provenienti dalla scrittura di Bartok e dall’idea, molteplice e frastagliata, dei Mikrokosmos si combinano in maniera continua con le direttrici estetiche delle due componenti della formazione. Dialogue, brano centrale nella scaletta del disco, ne diventa in qualche modo anche una sorta di manifesto: il tema viene prima esposto dal trio, su una ritmica serrata e condito da feedback e distorsioni, dopo di che diventa il nucleo narrativo di una lirica escursione in piano solo di Battaglia, per concludersi di nuovo con il trio che riprende il testimone dalle note del pianoforte.
Altrettanto centrale, nella scaletta e nel ragionamento di Bartokosmos è la seguente Alateves dove il quartetto dispone tutti i propri elementi intorno a una melodia essenziale e ripetuta dai vari strumenti, caricando di tensioni e intenzioni lo sviluppo del tema. Ma, ancora, il quartetto utilizza el proprio disegno sonoro gli unisono ta tomba e pianoforte, riferimenti ritmici al rock e al drum’n'bass, la dimensione libera e orizzontale di alcuni passaggi.
Nel discorso sonoro c’è spazio anche per l’improvvisazione dei solisti e gli assolo, utilizzati secondo strutture ritmiche e tematiche del tutto peculiari. Dalla sovrapposizione e dal dialogo delle linee solistiche in Pentatonic Melody, dove tromba e pianoforte improvvisano sulla base ostinata proposta dalla ritmica, alle espressioni più energetiche affidata a tromba e contrabbasso distorto, dall’apertura post-industriale di Buzzing, guidata dalle percussioni e dagli oggetti utilizzati da Dario Bruna e dai suoni campionati, ad alcune improvvisazioni liquide e informali del pianoforte: i quattro musicisti attingono in maniera camaleontica lo stimolo per le improvvisazioni dal fondale proposto dai vari brani.
Operazione non semplice da assimilare, come si diceva in apertura, Bartokosmos si presenta senz’altro come esperimento interessante e lucido: il quartetto mantiene sempre, anche nei passaggi meno fluidi e più ostici, la propria spinta propulsiva e la capacità di risolvere in maniera ragionevole le asperità provocate nel percorso intrapreso.

ENG Signal to Noise, Edward Batchelder (feb.2006)

auand — Sat, 13 Feb 2010 20:25:05 +0000

Since much of what passes across a music reviewer’s desk is the sonic equivalent of hyenas gnawing on the bones of long-dead jazz styles, the arrival of something new that’s both original and great gives twice the reason to celebrate.
Of course, Cuong Vu, a Saigon-born, Seattle-raised trumpeter, is hardly new to most people: a member of the downtown NYC scene since the mid-1990s, he’s sat in with musicians as diverse as Laurie Anderson, David Bowie, and Dave Douglas, and had a high-profile gig touring with Pat Metheny. Vu shares the guitarist’s predilection for elegant, chiming melodies, and certain passages of the CD will also recall the electric Miles and parts of Weather Report. At the same time, Vu has such an original melodic sense that these references only suggest a general context without in any way delimiting his uniqueness as a musician.
This, his fifth CD as a leader, features Bill Frisell sitting in along with Vu’s usual compatriot Stomu Takeishi on electric bass and Ted Poor on drums. Vu is capable of some intense, headlong improvisation, as is clear on the aptly titled “Expressions of a Neurotic Impulse” and “Brittle, Like Twigs,” but his real strength is the extended, gorgeous lines that he unspools on the other cuts. The title track, in particular, offers a melody that seems to take measure upon measure to reach its culmination—it’s stately, elegiac, and yet not in the least mournful; one could only describe it as the sound of someone looking back on a glorious love affair that has ended without bitterness. This is all a way of saying that Vu’s playing has an emotional resonance that’s rarely found these days without having to sift through layers of hokum. You can add to this Frisell’s brilliant contribution—at times his casual, distortion-laden washes sound like Hendrix in slow motion, and at other times he plays with an inspired ferocity seldom displayed on his own records—and you have a CD to chase away the feeling that there is nothing new for the holiday season.